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无论是在约会时和恋人聊TA喜欢的老电影,还是向朋友推荐斩获奥斯卡奖提名的新人新作,我们都需要一些聊电影的方法。然而,希区柯克的惊悚片和茱莉亚·罗伯茨的浪漫爱情喜剧差别如此
……
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之大,我们如何才能知道它们各自好在哪里,以及该如何评价它们?美国资深影评人安·霍纳迪,集三十二年观影经验,与普通读者及影迷分享了她的观影之道。带我们回顾了一部电影的基本制作过程——从剧本撰写到声音剪辑,深入了解每一个具体环节;解答了那些我们最感兴趣的问题:一个好剧本除了要有几句经典台词,还应该有什么?大银幕上的经典表演和舞台、电视上的表演究竟有何区别?怎样的摄影、剪辑和音效设计值得我们交口称赞……全书充满了电影幕后制作的轶事趣闻,透过104位业界传奇人物的亲述,《如何聊电影》将帮助我们在观影时换个角度,学着像职业影评人那样,做自己的电影评论家。★从电影制作7大方面入手,围绕台前幕后,普及电影基本常识★从专业理论到片场实务,50个关键问题解答,扫除普通影迷最说不清道不明的观影疑惑★透过影史经典案例,精准学习行业内专业术语,磨练你的电影评论技巧,全力释放吐槽欲望和点赞冲动★近百年佳作回顾分析,数十位业界传奇人物访问,重温你观影记忆中的美好瞬间学习顶尖影评人,一眼看穿三流电影的俗套烂梗,识别佳片闪光点跟随行业先驱,一窥电影工作内幕,了解更多专业“冷知识”做一个为身边人扫除观影障碍的进阶迷影人
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作者:[美]安·霍纳迪
出版社:北京联合出版公司
定价:49.8
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引言
但是,我们还是可以理直气壮地要求这些电影做到有原创性、制作优良、构思精妙,而且不能刻意迎合观众,或向观众献媚。不管这些电影最终的目标是什么,所有的电影都遵循一套相同的语法:视觉语言、听觉语言,还有把这些视听语言连接起来的
表演传统,或者是颠覆传统的创新突破。
影评人的工作就是识别这些传统和创新,但不是为了在读者面前卖弄学识或者故作姿态,而是要为读者提供全新的解读途径,丰富他们的观影体验,或者至少让他们在阅读的过程中获得启发。
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2020-11-17 添加
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第一章 剧本
好的电影能够在故事之外提出重要的问题,传递强烈的情感。它们绝不仅仅是在堆砌剧情点和角色行为,而是含有更深层次的讯息,甚至传递一种忧虑,让你在片尾字幕滚完之后,内心依然久久不能平静。如果你一觉醒来,脑子里还在想着昨晚看的电影,忘不掉片中的角色,思考着某个未解的谜团,那都是因为有一位技艺高超的编剧把这些种子深深地埋进了故事当中,却又能让观众一眼看见。待。到时机成熟它们便会在观众的脑中开花结果
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2020-11-23 添加
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第二章 表演
演员像增重或者学会外国口音之类夸张的改变总是能抓住媒体的眼球,在颁奖季更是如此。但是,如果这不是演员自己深思熟虑的选择,那么就很容易沦为博取眼球的花招。对这些故事了解得太多,常常会妨碍观众进入演员花费大量心血打造的银幕世界。作为观众,我们不需要知道演员为了准备一个角色进行了怎样的自我思考、即兴创作,或者热身运动,我们也不需要知道演员为了在银幕上打造一个他栖身的世界做了多少研究,我们只需要跟随他们一起进入这个世界即可。
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尽管演员为角色可能做出牺牲进行极端的外形变化,这样会产生卖点,但观众知道演员所做的准备工作可能不利于观众进入角色,
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2020-12-03 添加
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第三章 艺术设计
在评价一部电影的艺术设计时,可信度、吸引力、细节度、原创性都应该列入考虑范围。但是,就和其他的观影要素一样,这些都是非常主观的东西。
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艺术设计是无形的,不能太过突兀,也不能和导演让我们相信的东西相互抵触。优秀的艺术设计应该让观众在摸得着的世界中生活,相信并沉浸其中。
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2020-12-14 添加
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第四章 摄影
就像在看3D电影时,观众应该问问自己:这部电影的叙事形式是否必须是3D的,这种牺牲色彩、亮度、细节、范围的做法是否值得?对于影片中的每一个摄影选择,我们也应该发出同样的质疑。简而言之:我们在影片中看到—以及看不到—的任何东西,放在那里都是有目的的,或者至少应该有目的。
从艺术角度讲,摄影绝不仅是为了记录表演而存在。每个灯光元素,每一道阴影,摄影机的每一次移动或者静止不动,每一个色彩浓艳或者苍白朴素的镜头,都在告诉我们银幕上发生了什么,并且影响着我们的情感。
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2020-12-28 添加
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第五章 剪辑
我们暂且不讨论剪辑的问题。理想情况下,电影中的表演要真实到看上去像是现场即时发生的事情,毫无摆拍痕迹。一切都无比自然。
有些导演一场戏只要求演员拍一两次,他们认为这种自发性的表演能让影片更加自然。但像大卫·芬奇这种导演,就是以要求演员反复重拍而“臭名昭著”。在他们看来,这种拍法能将演员的表演感耗尽,从而获得最真实的情感。大部分导演一场戏都要拍好几个版本,拍完之后再和剪辑师起挑出最佳版本。
所谓的“最佳”,可以是布光效果最好的版本,也可以是在叙事节奏和视觉信息上最符合剧情需要的版本。但不管怎样,演员都必须献上最好的表演。观众永远都不会知道某一场戏究竟拍了多少次,也不知道导演和剪辑师要在多少个镜头版本中进行选择。
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2021-01-06 添加
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第六章 声音与音乐
动画配乐不论在创作还是制作上都非常优秀。)当然,反复出现的熟悉旋律和音调的变化可以给观众提供有效的提示,让观众感受到影片的基调和情感温度。
模式化的音乐只是视觉内容的多余附和,并未起到音画对位的效果。
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影片的配乐应该能增添更多情感层次,而不是简单放大已有的情感。
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2021-01-18 添加
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第七章 导演
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引言
第一章 剧本
第二章 表演
第三章 艺术设计
第四章 摄影
第五章 剪辑
第六章 声音与音乐
第七章 导演
尾声
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表演传统,或者是颠覆传统的创新突破。
影评人的工作就是识别这些传统和创新,但不是为了在读者面前卖弄学识或者故作姿态,而是要为读者提供全新的解读途径,丰富他们的观影体验,或者至少让他们在阅读的过程中获得启发。
第一章 剧本
第二章 表演
第三章 艺术设计
第四章 摄影
从艺术角度讲,摄影绝不仅是为了记录表演而存在。每个灯光元素,每一道阴影,摄影机的每一次移动或者静止不动,每一个色彩浓艳或者苍白朴素的镜头,都在告诉我们银幕上发生了什么,并且影响着我们的情感。
第五章 剪辑
有些导演一场戏只要求演员拍一两次,他们认为这种自发性的表演能让影片更加自然。但像大卫·芬奇这种导演,就是以要求演员反复重拍而“臭名昭著”。在他们看来,这种拍法能将演员的表演感耗尽,从而获得最真实的情感。大部分导演一场戏都要拍好几个版本,拍完之后再和剪辑师起挑出最佳版本。
所谓的“最佳”,可以是布光效果最好的版本,也可以是在叙事节奏和视觉信息上最符合剧情需要的版本。但不管怎样,演员都必须献上最好的表演。观众永远都不会知道某一场戏究竟拍了多少次,也不知道导演和剪辑师要在多少个镜头版本中进行选择。
第六章 声音与音乐
模式化的音乐只是视觉内容的多余附和,并未起到音画对位的效果。
第七章 导演
尾声
附录 纪录片与真实事件改编电影
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